Código Fuente Audiovisual en el 16 festival ZEMOS98: Remapping Europe

Un año más, el Código Fuente Audiovisual estará presente en el ZEMOS98 de Sevilla con dos propuestas que se enmarcan en el eje temático del festival en esta edición: el imaginario cultural y mediático en torno a la idea de Europa y la necesidad de deconstruirlo y remezclarlo, en este caso, a partir de las imágenes. Eso será lo que hagan Abu Ali, Ayşe Akalın y Kheraba Drame junto a Carlos Delclós en las dos sesiones que acogerá el Teatro Central de Sevilla este miércoles 9, el jueves 10 y el viernes 11 de abril, respectivamente. Habrá streaming en directo.

Hackeando el velo

CFA Abu Ali

Las realidades producidas desde los medios de comunicación mediatizan nuestra experiencia directa, creando discursos hegemónicos difíciles de derribar. ¿Cómo intentarlo? Hackear el velo de imágenes impuestas se convierte en un reto ineludible para producir emancipación, para generar un modelo de ciudadanía inclusiva, para tumbar las monumentales esculturas del neoliberalismo y dejar a la vista las sombras que generan.

Abu Ali (Toni Serra) estudió Historia del Arte y Filosofía en la Universidad de Barcelona, edición de vídeo y estética en Film & Video Art en Nueva York, y Análisis de la Comunicación en CUNY Brooklyn College. En 1989 empezó a trabajar en el vídeo como modo de reflexión y crítica de la cultura contemporánea, y también como forma de exploración personal. En 1992 co-fundó los archivos de OVNI donde aún trabaja investigando y programando eventos como Post Sept 11th, Resistances, Colonial Dream, Autonomous Zones.

Lo doméstico es político

CFA Ayşe Akalın

Descubrir los trabajos largo tiempo invisibilizados, los que desde espacios ocultados han permitido los movimientos invisibles de dinero. Traer a la luz a personas que viven una doble discriminación que las sitúa por debajo del umbral de ciudadanía, por ser mujeres y por ser migrantes. Entender que lo doméstico es político; es verter un bote de tinta sobre los conductos de invisibilidad que han permitido construir el dinero como medida universal.

Ayşe Akalın se graduó en la Universidad de Sociología y Ciencias políticas de Boğaziçi. Obtuvo su doctorado en filosofía en la City University of Nueva York. Actualmente es miembro de la Universidad Técnica de Estambul, en el Departamento de Humanidades. Trabaja sobre migraciones internacionales, género, trabajos precarios e inseguridad. También forma parte de la Migrant Solidarity Network.

Imaginarios autónomos

CFA Imaginarios Autónomos

Deconstruir los imaginarios impuestos desde los medios de comunicación para generar autonomía. El movimiento generado en torno a la nave de Poblenou, conocido como Som300, ejemplifica como pocos el modelo en que los medios de comunicación intentan anular la capacidad de generar imaginarios autónomos y cómo estos terminan desbordando los cajones, las marcas impuestas para desafiar las construcciones de la realidad desde la idea de habitar los espacios, de hacerse sencillamente visibles.

Mamadou Kheraba Drame es un lingüista senegalés afincado en Barcelona. Es una de las personas claves dentro del movimiento panafricanista en Cataluña. Es presidente de la Asociación Panafricanista de Barcelona, fue el portavoz de la comunidad conocida como Cal África surgida tras la ocupación de una fábrica abandonada en el barrio barcelonés de Poblenou. Es rector de la cooperativa integral Cal Africa Moving, fundador de la Asociación Artística Lukum Taka y diputado en el Parlamento Negro del Congreso de los Diputados.

Carlos Delclós es sociólogo y profesor de la Universitat Pompeu Fabra, y participa activamente en el movimiento 15M en Barcelona. Su trabajo se centra en temas de migración, desigualdad sanitaria, desplazamientos y conflictos urbanos, organización económica en el ámbito doméstico y profesional y fertilidad. Es uno de los editores de ROARMAG, y colabora con Open Democracy. Sus textos han sido publicados en Democracy Now!, Adbusters, ElDiario.es, Periódico Diagonal, y Cadena SER, entre otros. Hijo de emigrantes españoles, tiene doble nacionalidad, estadounidense y española. Aparte de su labor de activista, investigador y profesor, Carlos tiene un gran interés por la música y ha sido presentador invitado del programa de DJ Rupture, Mudd Up! en WFMU en Nueva York y en Music Beyond Borders de Andy G en KPFT, Houston.

 

¿Cómo se hace un webdoc? Encuentro en Documenta Madrid’14

¿CÓMO SE HACE UN WEBDOC? Experiencias en torno al documental interactivo.

Madrid, 8 y 9 de mayo de 16 a 19 h.

fotowebdoc

¿Cómo se hace un webdoc? es un encuentro para profesionales interesados en el documental interactivo. Un laboratorio de ideas que se pone en marcha a iniciativa de EMBED y DOCMA, en colaboración con Intermediae, y que cuenta con la participación de Laboratorio Audiovisual de RTVE.es. Este encuentro forma parte de la programación del festival DocumentaMadrid’14, organizado por Cineteca del 30 de abril al 11 de mayo.

La web permite nuevas e interesantes posibilidades para contar historias y crear experiencias narrativas. Pero… ¿cómo se hace? Lucía Andújar (DOCMA) y María Yáñez (EMBED) facilitan este encuentro donde, a partir del intercambio de experiencias, conoceremos los procesos creativos que conlleva la elaboración de un documental interactivo. Entre todos se definirán cuáles son los pasos y herramientas que necesitamos, cómo estructurar un guión fragmentado, diseñar la arquitectura narrativa o encontrar los equipos de trabajo adecuados.

Este encuentro pretende crear vínculos de colaboración entre profesionales de distintas disciplinas para apoyar la creación de proyectos interactivos. Se propone crear un grupo de trabajo con periodicidad y continuidad en el tiempo que siga desarrollando e investigando en torno a las posibilidades de las narrativas interactivas. Para ello, invitamos a realizadores audiovisuales, productores, programadores, diseñadores gráficos, guionistas, periodistas con interés en aprender más y en común.

El Laboratorio Audiovisual de RTVE.es participará con una presentación de sus proyectos más recientes y con asesoramiento práctico sobre proyectos en desarrollo. Nos explicarán sus métodos de trabajo y qué aprendizajes han adquirido a partir de su experiencia.

 

Convocatoria de proyectos en desarrollo. Hasta el 21 de abril.

Convocatoria para presentación de cinco proyectos en fase de desarrollo que planteen estrategias creativas de las que podamos aprender. Sobre estos proyectos, se invitará tanto a asistentes y participantes a aportar ideas y propuestas de trabajo, con la intención de crear vínculos de colaboración que puedan continuar después de este encuentro.

Se seleccionarán proyectos que planteen temas diversos para enriquecer al máximo el proceso de aprendizaje colectivo. Cada proyecto tendrá un tiempo asignado para la presentación y discusión en grupo. Además, el Lab de RTVE.es ofrece la posibilidad de apoyar la difusión de alguno de estos proyectos a través de su plataforma.

Para presentar tu proyecto, por favor rellena este formulario.

PROGRAMA

8 de mayo, de 16 a 19 h.
(Sesión abierta hasta completar aforo)

1. Introducción al Documental Interactivo. María Yáñez y Lucía Andújar

  • ¿Qué es y en qué consiste?
  • Muestra de ejemplos de documental interactivo.
  • ¿Qué se está haciendo en nuestro país?
  • Comunidad de creadores: qué se está desarrollando desde diferentes colectivos.

2. Rtve.es Lab

  • Presentación del Lab y proyectos realizados.
  • Aprendizajes y experiencias en el camino.
  • Procesos creativos.

3. Puesta en común. Diseñando la práctica.

  • Hagamos una propuesta para responder a nuestra pregunta inicial, cómo se hace?
  • ¿Podríamos elaborar un método de trabajo en base a los procesos creativos por los que pasamos?

 

9 de mayo, de 16 a 19 h.

  • Presentación de proyectos y trabajo en grupos.

En esta sesión se presentarán los 5 proyectos seleccionados en la convocatoria, explicando la fase en la que se encuentran, los procesos de trabajo por los que han pasado y las necesidades para seguir adelante. Continuando con el aprendizaje colectivo, el objetivo es ofrecer a los asistentes la experiencia de cada proyecto para aportar ideas y propuestas que nos ayuden a seguir elaborando una metodología de trabajo. Con la participación de asistentes y facilitadoras, se intentará aportar herramientas y sugerir soluciones para continuar el desarrollo de cada uno de los proyectos después de esta sesión. Se propondrá la creación de grupos de trabajo que puedan continuar reuniéndose de forma periódica para seguir definiendo cómo se hace un webdoc.

Presentación de InterDocsBarcelona 2014 (Festival Internacional de Documental DocsBarcelona) por parte de su coordinador, Arnau Gifreu.

ACTUALIZACIÓN:

El formulario de asistencia al encuentro está cerrado y el cupo de asistentes está cubierto.

Los proyectos seleccionados son:

  • «Sahara: una deuda histórica», de Amanda Padilla.
  • «Bugarach: Surviving The Apocalypse», de Sergi Cameron.
  • «Chillida: lo profundo es el aire»,  de Nazaret Crespo.
  • «Unos», de Paola Rey.
  • «Saint-Malo 1944 / 2014», de Céline Gesret.      

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Las canciones infantiles de las familias no tan felices

«Després de la generació feliç», espectáculo de ‘live cinema’ + web audiovisual + disco + largometraje. Este último participa estos días en la sección oficial del Atlántida Film Festival.

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«Siempre aparecéis tan contentos en esas fotografías, rodeados de dulces melodías de guitarras que no arden en las hogueras, creciendo junto a las sonrisas perennes, mirad a la cámara, papá, no cierres los ojos… Te has transformado en todo un hombre, ¿verdad? Y ahora sigues cantando las melodías que te recuerdan a él. Y todo el mundo lo recuerda tan feliz cuando salía de casa. Pero la casa era la hoguera. Y su guitarra no siempre sonaba dulce. El cantautor no miente, decían. El cantautor no engaña, nos prometieron. Y crecimos bailando, abrazados a la esperanza. Pero no puede existir una generación tan feliz…»

 Tras el proyecto «Your Lost Memories» (YLM), la productora Boogaloo Films y Guillothina (que en Filmin firma como Miguel Ángel Blanca) le dan una nueva vuelta al cine de apropiación a partir de archivos familiares con una propuesta más experimental llamada «Després de la Generació Feliç». Y en esta ocasión no se trata tanto de darle un sentido narrativo en el sentido más canónico de la palabra transmedia, como acontecía con YLM, sino de dejarse llevar por las posibilidades performativas de un concepto al que ya no mueve la nostalgia, sino la decepción de toda una generación a la que sus padres grababan alegremente en cintas VHS, tratando de capturar una felicidad que, en caso de que fuese verdadera, desde el lugar en el que estamos ya no podemos verla con ingenuidad. 

El concepto son las canciones infantiles de la tradición popular catalana, reconstruidas y reinterpretadas en directo por cuatro músicos: Joan Colomo, Sara Fontán (Manos de Topo), Spazfrika Ehd (Za!) e Internet 2. El formato, un evento de live cinema que se estrenó el pasado mes de mayo en la clausura de la 12ª temporada del Ciclo de Cine Experimental Xcèntric del CCCB, y que ha recorrido distintos espacios y es en este momento de los pocos espectáculos de este tipo hechos en España que se encuentran en gira o abiertos a contratación, junto a «European Souvenirs», parido en ZEMOS98 (y que ahora estrenará nueva versión del espectáculo, titulada €urovisions y centrada en migraciones y representación mediática). No es lo único que las dos obras tienen en común: ambas parten de la apropiación de archivos audiovisuales para la deconstrucción de un imaginario colectivo: la idea de Europa y las migraciones tal y como nos la contaron los medios, en el caso de «European Souvenirs», y las idealización de la memoria familiar a través de las canciones, en el caso de «Després de la generació feliç».

A partir de este planteamiento pensado para el live cinema, los distintos elementos que lo conforman también han sido desmontados, de forma que podemos acceder a la banda sonora en forma de disco digital editado por Sones, o descubrir las distintas partes del álbum familiar del que parte la obra a través de su web de vídeo realizada por David Medina.  Y estos días, gracias al Atlántida Film Festival, podemos ver el largometraje resultante, que va más allá de ‘enlatar’ la experiencia original para mostrarnos una obra experimental sugerente que funciona de forma independiente, aunque nos deja muchas, muchas ganas, de ver el espectáculo en vivo. De volver a ver los vídeos familiares de nuestra infancia, quizá ya no tanto.

 

Documentando ‘la nada’

En nuestro grupo de Facebook, Fernando (Malaventura) nos comentaba el otro día:

Acorde con algunos comentarios leídos sobre como estamos sobrepasados por la multi-centuplicidad al cuadrado de tendencias audiovisuales que cuentan con una gran acogida por parte de millones de personas sin tener muy claro el porqué, quiero compartir un descubrimiento que hice hace algún tiempo: La proliferación de vídeos en Youtube de gente susurrando, haciendo cosas anodinas «detrás» de la cámara, ojeando revistas, mostrando objetos vulgares, etc. lo llaman ASMR y su función parece ser la de una suerte de valium embebido en el tejido «del internet», barbitúrico audiovisual . Este es uno de sus videos más vistos, un secador de pelo en acción (+2millones de visitas).

Lo cierto es que ‘la nada’ es usado de forma totalmente tendenciosa en el título del post (ouch!). Cuando alguien se toma la molestia de recopilar banalidades y agruparlas entorno a un vídeo (como en este ejemplo de estornudos) quizás no sea simplemente ‘la nada’. El ASMR que menciona Fernando, es en realidad un fenómeno conocido en castellano como «Respuesta Sensorial Meridiana Autónoma» del que hay mucha literatura en Internet y pocas investigaciones científicas. No obstante, el catedrático David Huron, quien imparte clases en la Escuela de Música de la Universidad de Ohio, declaró que el ASMR y la sensación de «escalofrío» son diferentes y que «el efecto [ASMR] está clara e intensamente relacionado a la percepción de no amenaza y atención altruista» (fuente Wikipedia).

Será por eso quizás que, al margen de lo que cualquiera considere banal, o al margen de que un grupo de científicos investigue este fenómeno desde un punto de vista neurológico, lo que parece seguro es que que, como dice también Andreu Meixide (citando a Felix Pérez Hita), hay una generación que ha aprendido a «utilizar youtube como espejo de la ceninienta». Y en el fondo, como en esta pieza de Flor Aliberti, lo único que buscamos en ocasiones es sentirnos menos solos. Es decir, usar Youtube para construir una vida en común (aunque implique un gasto un poco de electricidad, en el caso del secador).

¿Qué hay de nuevo, viejo? EMBED2.0

Tras 5 años de proyecto, muchas cosas se han conseguido:

  • Generar una publicación con 93 artículos que reflexionan de forma heterogénea (en forma y contenido) sobre el objeto de trabajo que se pretendía.

  • Reforzar un formato (el Código Fuente Audiovisual) de presentación del imaginario audiovisual propio coherente con la idea de cultura libre que ha sido utilizado en diferentes espacios y eventos.

  • Aglutinar a un grupo de personas entorno a la publicación y a una lista de correos (cuya vida útil se produjo entre 2012 y comienzos de 2014).

  • Permitir a dos de sus participantes realizar un prototipo de proyecto en un taller (Where Do You Feel At Home?) en Beirut financiado por el Instituto Cervantes.

Tras 5 años, el proyecto se reinventa, explicamos a partir de aquí los cambios.

1,  Nueva estructura de su comunidad

EMBED deja de ser una red para ser un grupo de personas que aspiran a crear una red. Ese grupo de persona tiene distintos grados de relación con el proyecto y van desde:

2. Nuevo identidad gráfica

Ricardo Barquín Molero, uno de los más talentosos diseñadores del sur de Europa, ha evoluacionado el logo que ya creara en su momento para el proyecto. Ahora, crea un efecto de transparencia que da como resultado que la antigua forma del logo parezca estar sufriendo algún tipo de proceso de codificación de vídeo.

 3. Nuevo subtítulo y marco teórico remezclado

«EMBED. Audiovisual contemporáneo, cultura abierta y otros potajes».

EMBED es una palabra muy sugerente en tanto que significa «incrustar» o «integrar». Partiendo de ese anglicismo que se ha extendido hasta el punto de ser probablemente entendido sin necesidad de explicación, pasamos del anterior «Audiovisual integrado» (que pretendía hablar de las prácticas y transformaciones que el audiovisual sufre continuamente por efecto de las ‘eternamente nuevas‘ tecnologías de la comunicación) a «Audiovisual contemporáneo», una definición que pretende ser más accesible y que defina de forma inclusiva las prácticas audiovisuales de nuestro tiempo. No obstante, nos gustaría explicitar que la intención no es la de modificar la etiqueta «arte contemporáneo» dado que ésta nos parece que alude a un sector que no es inclusivo sino, en demasiadas ocasiones, exclusivo.

Además, se suma “cultura abierta” para acotar el tipo de prácticas audiovisuales en las que EMBED se va a centrar a partir de ahora, dejando claro que serán aquellas que fomenten una sociedad que se basa en compartir, en abrir el código fuente de sus narraciones y de sus tecnologías.

Y por último, “otros potajes”, para restarnos importancia y academicismo, para dejar claro que tenemos sentido del humor y porque en el fondo, todo lo que supone hablar de audiovisual contemporáneo y cultura abierta no deja de ser un potaje en sí mismo (ya si queremos rizar el rizo podríamos decir que el potaje es a la comida lo que el audiovisual contemporáneo a la cultura abierta).

EMBED, además de su paraguas teórico marcado por su nuevo subtítulo, propone  una serie de temáticas más concretas para 2014 pero que en ningún caso excluyen la posibilidad de otras nuevas y que son puertas de acceso no excluyentes entre sí. Dichas temáticas serán:

  • Memoria, archivos y patrimonio audiovisual.

  • Gramática del audiovisual contemporáneo: memes, viralidad, juegos en red, etc.

  • Hiperlocalismos; proyectos que responden a necesidades locales pero que entienden la lógica de red.

  • Audiovisual y remezcla como arma política y expresión ciudadana colectiva.

  • Vjing, mapping y prácticas de audiovisual expandido.

  • Nuevas formas de financiación y distribución audiovisual en red.

  • Open video y web-native storytelling

  • Mutaciones del audiovisual contemporáneo: cine y tv en la era de los gif animados.

4, Nacen EMBED.at/observatorio y EMBED.at/laboratorio

EMBED pasa a tener dos herramientas diferenciadas y complementarias a la vez: /Observatorio y /Laboratorio.

El Observatorio de EMBED será un blog colectivo liderado por el equipo de coordinación pero en el que se tratarán también de fomentar las firmas invitadas para investigar, divulgar y general compartir conocimiento teórico sobre el objeto de trabajo de EMBED.  Embed.at/observatorio ha implicado un cambio en la web. Puedes consultar  todo lo producido hasta la fecha en  antes.embed.at. A partir de ahora, la HOME del proyecto y en orden de dotar de mayor flexibilidad en cuanto a la longitud y formato de las publicaciones se ha pasado pasa a una plantilla de wordpress (Oldcar) que simula el versatilidad y la flexibilidad de sistemas de publicación como Tumblr.

A partir de ahora no será necesario tener que desarrollar un texto para poder realizar una publicación. El comentario a partir de una cita, una reflexión en una línea sobre un vídeo o un copy-paste de argumentos realizados en otros lugares puede llegar a convertirse en un elemento publicable de EMBED/Observatorio. Esto no quiere decir que se renuncien a los textos en profundidad. Pero en un momento de falta de recursos para poder sostener una publicación, debe primar el dinamismo sobre dicha profundidad.

/Observatorio se nutrirá de un un grupo de Facebook a donde se invitará, tras haber permitido un breve pero intenso luto, a los miembros de la extinguida lista de correo. Dicho grupo de Facebook tendrá como objetivo ser el lugar central para dinamizar la participación y para extraer posibles contenidos para el blog de /Observatorio. Por otra parte, la inclusión de firmas invitadas en el blog (que sigue estando dentro de los objetivos del proyecto) se hará en función de pulsiones más orgánicas generadas a partir de las interacciones de sus editores (en el Mundo Real ™) o en ese grupo de Facebook. A priori y por ecología, no se creará ninguna cuenta de TW. Tampoco, de momento, se creará una Fanpage de FB.

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El Laboratorio de EMBED será una herramienta portátil que aglutinará toda la parte “maker” del proyecto: talleres, eventos, charlas, etc. donde se incluye además el formato ya iniciado por EMBED de Código Fuente Audiovisual. Además, existe la posibilidad de que EMBED desarrolle proyectos propios que irían alojados de la siguiente forma: EMBED.at/Laboratorio/PotajeRiquisimo. Por otra parte, la realización de actividades como /Laboratorio siempre debería implicar una cierta correspondencia y la publicación de reflexiones en /Observatorio.

Buscamos explorar formatos en los que explorar, hacer y compartir conocimiento de forma activa. Queremos colaborar con eventos, festivales, organizaciones, etc aportando contenidos, asesorando en la programación o preparando actividades.  El /Laboratorio tendrá dos vías principales:

  • Los Eventos. Desde donde podremos ser curators de contenidos para actividades relacionadas con la cultura audiovisual abierta, desarrollar encuentros o actividades al estilo de los Hackatones.

  • La Formación. Desde donde podremos hacer cursos o talleres (presenciales o a distancia) relacionados con los temas que trabajaremos.

Queremos por último, tras explicar este cambio, dar las gracias en especial a varias personas: a JC, por su inagotable rigor y ayuda;  a Gerardo, por su entusiasmo; a Alberto, porque su sonrisa ayudó a iniciar todo esto ; a Ricardo, por este magnífico logo; a Pedro, por estar siempre dispuesto a todo; a Lucas, por su feedback, a Lucía, por unirse; a Juan, por ayudarnos con el cambio de servidor;  a Berto, por la instalación del WordPress y hacer la cena mientras María mantenía largos hangouts con Felipe; a Sofía, por cuidar de Ada mientras Felipe mantenía largos hangouts con María;

Comienza esta de forma renovada esta locura…¡una publicación en tiempos de crisis!

Radical Democracy Video Challenge for an Open Society

Este vídeo sirve como ejemplo y forma parte de la campaña de comunicación de una convocatoria de vídeo organizada por Doc Next Network cuyo título es Radical Democracy Video Challenge for an Open Society con cuatro premios de 2500 euros, otros cuatro de 1.000 euros. La convocatoria se cierra el 13 de abril, tiene 4 categorías distintas Failections, la que ilustra «Yo creo», Remapped Europe, Time Capsule y Local Heroes) y acepta vídeos de máximo 5 minutos.

Radical Democracy Video Challenge

Más información en castellano en http://radicaldemocracy.zemos98.org.
Más información y bases completas en inglés en http://challenge.docnextnetwork.org.

Además, puedes ver el Código Fuente Audiovisual del vídeo «Yo creo» en este texto realizado por Lucas Tello y denominado «Disfruten lo votado«.

Empujen por favor: Nuevas formas de distribución cinematográfica

anamari

La encrucijada actual de la distribución de cine es de las que hacen época. Estamos, como en tantos otros sectores, inmersos en una transición salvaje, reconstituyente podríamos decir.

En España el cine que no está controlado por las majors norteamericanas, las grandes distribuidoras de cine en todo el mundo, un ejército prácticamente invencible, apenas supone el 25% del mercado. El margen es poco, ridículo ante cualquier negociación. Y en este débil panorama, uno de los grandes símbolos del sector, la distribuidora Alta Films, cierra. Enrique González Macho, su responsable, es quien tomó el relevo de Álex de la Iglesia (ese “loco” que decía que el futuro ya era internet) en la presidencia de la Academia del Cine. Un tipo clave, respetado, representativo de la generación que surgió en la Transición, que a su vez había tejido con los años una red de cines vital, los Renoir, también en desmantelamiento.

Desde un punto de vista económico los datos son catastróficos, y cada día aparece uno peor, pero desde un punto de vista artístico el momento del “otro cine español” es de traca, y no me refiero sólo al mal llamado cine low-cost. Unos empujan, innovan y abren caminos, inventándose nuevas maneras de mover sus películas, ya sea por convicción o porque no les queda otro remedio, y otros resisten ejecutando soluciones viejas a problemas nuevos o mirando con indignación cómo nadie se ocupa de ello. Y digo “nadie” como sinónimo de las administraciones públicas.

Como decía Carlos Losilla de otra manera en un artículo publicado en La Vanguardia el junio pasado respecto al cierre de cines: que se muera lo viejo para que venga lo nuevo. Esa tragedia o esa ilusión que ha servido como argumento para tantas buenas películas.

El cine como evento

Vayamos a los orígenes: ir al cine como acto social, ¿lo recuerdan? El ejemplo más sintomático, el gran éxito de las sesiones de cine Phenomena Experience, porque apela precisamente a eso: a la nostalgia de cuando éramos niños e íbamos al cine como un acto colectivo, masivo y lúdico. Siempre está lleno, con aforos de hasta 1800 espectadores. Programas dobles, actividades paralelas, gritos, risas, aplausos. Pero claro, con películas populares clásicas que conocemos todos y que no necesitan inversión en promoción, de ahí el bucle (de interesantes lecturas) y su gran truco. ¿Y qué hacemos con las películas de ahora? ¿Y con las que no son tan populares?

Acceder al sistema tradicional de distribución en salas y que luego te funcione está más difícil que nunca. Y plantear estrategias complementarias al tan soñado estreno en cines, choca frontalmente con las viejas normas de las distintas ventanas de explotación de la obra (cines, DVD, televisión, VOD), con sus tiempos, trabas e intereses particulares. Pero citaré hasta 6 casos recientes que han intentado romper esta dinámica, películas de aquí que se han buscado la vida para moverse de manera diferente, consiguiendo cierto éxito o al menos apuntando pistas de eso nuevo que tiene que venir.

Por un lado films como «Mapa», de Elías León Siminiani, o «Los Ilusos», de Jonás Trueba, que organizaron una ruta de proyecciones en distintas ciudades, con coloquio y presencia del director, y con un modelo híbrido de exhibición: cines comerciales privados y centros culturales públicos (del CCCB a la Cineteca del Matadero de Madrid, todo ese circuito paralelo que se ha ido creando para sustituir la función que antes hacía un Cine Verdi por ejemplo, del que son representantes también proyectos online tan estimulantes como Márgenes o PLAT, o la nueva iniciativa del Festival de Cinema D’Autor, distribuyendo en parte por este circuito 10 films de éxito de su festival). O «Blancanieves», de Pablo Berger, que realizó una ruta de proyecciones por grandes teatros con concierto en directo de su banda sonora, generando más ingresos y notoriedad que por la vía tradicional. O la ruta de este verano de «Barcelona Nit d’Estiu», de Dani de la Orden, con llenos absolutos, música en directo, charlas con el equipo y gran complicidad con el público (una estrategia integral hilvanada por Filmin y Cameo, que ya hicieron de las suyas con el estreno de «Carmina o revienta» de Paco León). O «El Cosmonauta», ese proyecto transmedia pionero en tantos sentidos, y que a su manera avanzó un nuevo concepto: el Theatrical On Demand (TOD).

¿TOD? Junten el cine como evento, las películas en gira con “valor añadido” y las maravillas del internet social y lo entenderán. La plataforma más significativa: la norteamericana Tugg, promovida por Nicolas Gonda, productor de las últimas películas de Terrence Malick, pero existen varias más en el Reino Unido, Holanda o Francia. Alternativas que no quieren sustituir nada pero sí complementar un modelo que necesita una evolución a gritos. Sirviéndose de la filosofía crowdfunding, eso que ahora financia muchos films independientes, empodera al espectador con un juego sensacional: a partir de un amplio catálogo online tú decides qué película quieres ver, en formato evento y en el cine que prefieras, iniciando una campaña para conseguir el umbral mínimo de asistentes, y si lo consigues (convenciendo para que pre-compren la entrada, tal como microfinancias un proyecto en Verkami) se efectúa el pase, sino no. De lo online a lo offline, de las herramientas de la web social a la sala de cine. Un servicio con un sinfín de utilidades y posibilidades.

Internet como aliado

Actualmente existen hasta 30 plataformas de Video On Demand (VOD) y similares operando en nuestro país. Ninguna es aún rentable. Y eso no quiere decir que lo hagan mal, al contario. Lo que está consiguiendo Filmin, por ejemplo, es de un mérito incuestionable. Para entrar con el tema no seré yo quien pontifique sobre la solución mágica, lo dejaré en manos de Kim Dotcom, el malvado Bin Laden de la piratería, con su célebre tuit y las 5 reglas de oro para acabar con ella: 1- Crea contenido de calidad, 2 – Haz que sea fácil de comprar, 3- Lánzalo mundialmente el mismo día, 4- Que funcione en cualquier dispositivo, 5- Y que tenga un precio justo.

¿Una quimera? Por ahora, seguro. ¿Que este hombre no puede dar lecciones a nadie? Quizás, pero por la cuenta que le trae diría que sabe muy bien de lo que habla. Este mismo tuit lo retuitearon con orgullo los creadores de VHX, otro reciente gran invento americano, nada sospechosos de ser mala gente (acaban de lograr financiación por 3 millones de dólares). Un servicio VOD donde se empodera al creador a unos niveles nunca vistos, generando un atractivísimo punto de venta de su obra (en alquiler por streaming y como compra, con archivos libres de DRM), y todo envuelto en un lenguaje que no culpabiliza a nadie: We believe artists should make more money for they work. People doing it right. Algo que estan desarrollando al mismo tiempo portales como Vimeo o, a otro nivel, los escoceses Distrify.

Como vemos, ahí fuera pasan cosas. Y aunque nuestra realidad es otra deberíamos estar atentos porque en internet todo avanza a una velocidad de vértigo. Para comprobarlo, el pasado 31 de octubre en la sala Apolo, en el marco del Festival de Cine Documental Musical In-Edit, con su nueva sección Fast Forward, se van a presentar algunos de los proyectos aquí citados. Proyectos innovadores de base tecnológica, que afectan al audiovisual y/o la música y que se encuentran en fase de desarrollo óptimo. Y entre ellos se presentará uno en el que estoy implicado, muy incipiente aún, que asume la idea del Theatrical On Demand y que lo adapta y lo complementa en otros muchos sentidos. Y del que es buen reflejo este artículo.

Por ejemplo, para comprobarlo, el pasado 31 de octubre en la sala Apolo, en el marco del Festival de Cine Documental Musical In-Edit, con su nueva sección Fast Forward, se presentaron algunos de los proyectos aquí citados. Proyectos innovadores de base tecnológica, que afectan al audiovisual y/o la música y que se encuentran en fase de desarrollo óptimo. Y entre ellos se presentó uno en el que estoy implicado, Screenly, muy incipiente aún, que asume la idea del Theatrical On Demand y que lo adapta y lo complementa en otros muchos sentidos. Y del que es buen reflejo este artículo.

 

Este artículo fue publicado originalmente en el suplemento Cultura/s de La Vanguardia, junto a este otro de Pedro Jiménez, en un especial de la sección Pantalla/s coordinado por Ingrid Guardiola

Las tecnologías son la muerte. Los jóvenes son zombis

Las tecnologías se incrustan en modos de hacer y tanto están determinadas por los usos que se hagan de ellas como por los rumbos culturales de quienes las usan. A su vez, las tecnologías se ensamblan con diferentes contextos sociales accionando dependencias no deseadas o usos no previstos, para eso se diseñan de una u otra manera o se hackean en una u otra dirección. Como dice Francisco Tirado, lo tecnológico está socialmente construido en la misma medida que lo social está tecnológicamente configurado.

Rubén Martínez en «Las tecnologías son la muerte. Los jóvenes son zombis» en Nativa.cat.

Vine, vuelta a la artesanía audiovisual

Vine

Vine es una red social que se basa en compartir vídeos de 6 segundos reproducidos en bucle. Nació en junio de 2012 de la mano de Dom Hofmann, Rus Yusupov y Colin Kroll. Antes de que la aplicación fuera lanzada, fue adquirida por Twitter en Octubre de ese mismo año. Sus principales características son:

Duración de 6,5 segundos. La limitación, similar a los 140 caracteres, obliga a los usuarios a sintetizar.
Imposibilidad de subir vídeos no realizados con la propia aplicación. A pesar de que algunos usuarios han conseguido hackear esta opción y de que hasta hace muy poco, no se podían guardar borradores (ahora sí).
Edición en pantalla. El usuario graba mientras pulsa la pantalla. De ahí que puedan hacerse elipsis. Y de ahí que se hayan popularizado los stop-motions (Recientemente también, la app ha incluído un sistema para reordenar planos dentro de un mismo vídeo pregrabado).
Formato cuadrado. Al igual que Instagram y en contra del imperio del 16:9, Vine apuesta por el formato 1:1.
– Reproducción en bucle. Una vez el vídeo está publicado, el resto de usuarios lo consumirán en bucle.
Características habituales de una red social digital: puedes seguir a otras personas (following) y podrán seguirte (followers), etiquetas creadas por usuarios (hashtags), menciones a otros usuarios y categorías (propuestas por la propia aplicación).

A menudo se escucha con recelo a muchas personas que permanecen inmunes a las novedades del mundo geek. Esa inmunidad suele ser una mezcla de prejuicio y sentido común. El marketing ha hecho mucho daño haciéndonos creer que estamos permanentemente desactualizados. La gran paradoja de algunos de los gadgets o apps es que suelen ser que no son más que lo que el maestro Henry Jenkins diría: convergencia de medios.

Evidentemente y como toda aplicación de nueva generación, se basa en una tecnología que hace años no existía. Pero no nos engañemos: Vine, al margen de lo tecnológico, utiliza técnicas narrativas muy antiguas: la síntesis, la repetición, la elipsis o las ilusiones ópticas son obligaciones nada novedosas para las personas que gustan de contar historias. Y es precisamente esta artesanía audiovisual lo que convierte a Vine en fuente de interesantes tendencias y experimentos. Mencionaré unos cuántos.

La cultura selfie ha aumentado las dosis de sobreactuación de los usuarios en redes sociales donde la comunicación audiovisual ocupa un lugar central. Esto no es una novedad. Lo que probablemente sí lo sea es practicar la performatividad sin grabar 10 minutos y luego elegir el momento perfecto de dicho material. ¿Es posible documentar una performance en una sola toma? Es lo que tratan de probar muchos usuarios, como Cody Johns, contratado por Spotify.

Hay muchos otros usuarios que en ocasiones realizan este tipo de incursiones, como Rix (un usuario muy popular en el ámbito latinoamericano) o como Princess Lauren.  En España, dos personas que teatralizan su cotidianeidad con creatividad e ingenio son Paulifacético y el actor y dramaturgo Eduardo Casanova.

Por otra parte, Meliés estaría muy orgulloso de que hordas de usuarios de Vine hayan rescatado el noble arte del trucaje audiovisual. Ya sea en forma de en forma de ilusiones ópticas, dentro de las cuáles el grupo 88c es una clara referencia, llegando a haber compartido sus juegos con los jugadores de la NBA de Toronto Raptors: o en forma de stop-motion, como en este homenaje a la propia historia del cine realizado por Daniel Ojanlatva en honor a Buster Keaton.

Pero al final, el viejo mantra que dicta que a más cantidad de limitaciones mayor es la creatividad tiene algo de cierto. Hay usuarios que han sublimado las reglas de juego de la herramienta proponiendo proyectos seriados en los que la linealidad no es lo importante. Lo importante es el universo narrativo que rodea y da justificación a los vídeos. Aquí van 3 de mis preferidos.

Batdad

Blake Wilson es un padre que comenzó a usar Vine sin demasiadas pretensiones cuando de repente algunos de sus vídeos se viralizaron. Su biografía explica muy bien su universo narrativo: “Tengo cuatro niños y una máscara de Batman”. La mayoría de sus Vines tienen una estructura similar: un plano en el que aparece Batman en primer término, alguno de sus hijos o su mujer de fondo y entonces él dice algo imitando el oscuro y ronco tono de voz de Batman. Sus comentarios suelen ir en la línea de lo que un padre vive a lo largo de su día a día. Por ejemplo aquí, le dice a uno de sus hijos: “Table is for GLASSES, not for ASSES” (La mesa es para vasos, no para culos).

Está claro que su inocente ejercicio de apropiación en clave de humor del universo narrativo que propone Batman es una más que ingeniosa forma de compartir los quehaceres de la paternidad.

Rudy Mancuso

En este caso nos encontramos ante un joven artista cubano cuya familia emigró a USA. Tanto por su actividad en Twitter como en Vimeo podemos ver que se trata de un caso más de nativo digital con el gen artista-humanista corriendo por sus venas. Toca el piano y la guitarra, canta, edita vídeos, escribe…pero en su cuenta de Vine encontramos una serie de vídeos en los que reflexiona en clave de humor sobre su condición migrante.

Chilling with americans
Look that pretty cool

And there are not even racist
Even let me clean their pool
Wait, What?

Divirtiéndome con americanos,
Se ve muy guay
Y ellos no son racistas
Incluso me permiten limpiar la piscina
Un momento…¿qué?!

Simply Silvio

Y quizás mi usuario favorito, obra del realizador Albert Birney. Silvio es un mono muy sensible y elegante al que gustan mucho los ganchitos de queso y versionar pequeñas secuencias de series o películas. Es muy complicado explicar porqué me gusta, quizás y como dijo : «La felicidad parece mucho más fácil de obtener cuando se trata de las cosas pequeñas. Últimamente mi felicidad proviene de una extraña e inesperada fuente: vídeos de 6 segundos de un gorila llamado Silvio«.

Este texto fue originalmente publicado por Felipe G. Gil en Diario Turing de @eldiarioes.

Un repaso del formato Código Fuente Audiovisual

CFA Miguel Ángel Blanca

El Código Fuente Audiovisual se ha convertido con los años en un emblema tanto de EMBED como de ZEMOS98. El formato nació en 2012 y tal y como se comenta en el texto que explicaba su definición, se trata de «una sesión en directo o un texto en la web, en la que una persona escoja y comente piezas audiovisuales que sean referenciales para él o ella». Es decir y en el caso de la sesión en directo, un formato híbrido entre la proyección y la conferencia.

Evidentemente, el Código Fuente Audiovisual seguirá siendo un emblema de EMBED. Lo es en cuanto que en él se incluye una regla fundamental que sirve como uno de los ejes sobre los que se erige la cultura libre: una de las reglas sagradas del formato es que la persona que lo realiza no puede poner materiales propios. Debe construir su mapa de referencias utilizando materiales de terceras personas. Esto no es casual. Responde al hecho de evidenciar que la idea de cultura abierta (o cultura libre) explicita un modelo en el que no existe el autor genial que crea en soledad. La creación cultural es un proceso donde se ponen en un juego una compleja red de relaciones donde de forma interdependiente se mezclan muchísimas fuentes.

Os dejamos una relación de los Códigos Fuentes Audiovisuales realizados hasta el momento:

Presenciales

Online

Además, Pedro Jiménez y Felipe G. Gil realizaron un texto (Meta-Código Fuente Audiovisual) en el que trataban de hacer una arqueología del formato «Código Fuente Audiovisual» así como mencionar prácticas muy similares que se están produciendo en paralelo.

Pronto habrá más e informaremos sobre ello!

Audiovisual interactivo: contra la linealidad y a por el código

I Love Your Work

En EMBED llevamos ya unos años poniendo el foco en cómo el soporte digital permite ir más allá de la linealidad del vídeo y jugar con la interactividad, el hipertexto, la narrativa procedimental y las crecientes posibilidades que ofrece la web. Primero fueron los webdocumentales en Flash, después los enlaces en Youtube… y hoy en día el HTML5 permite que el vídeo se use de forma orgánica en la web y que, como esta, tenga su código fuente. El cambio de paradigma está sucediendo y se dirige a un punto de inflexión en el que en lugar de  ‘exportar’ piezas audiovisuales las compartiremos en GitHub. Estaremos muy atentos a ello.

Mientras tanto, éstos son los artículos que sobre vídeo e interactividad se publicaron en el anterior EMBED:

El documental expandido siempre estuvo ahí

European Souvenirs

En los últimos meses hemos visto nacer propuestas documentales realizadas “en directo”, hay quien nos la vende como la enésima arma contra la crisis económica del sector de “hacer y proyectar películas”. Ya sabéis, para vendernos algo hay que decir que es nuevo, novísimo, único e imposible de repetir, un espectáculo único y rompedor. Y claro, eso no es tan así.

En todo caso hay que reconocer los trabajos de Adam Curtis con Massive Attack y United Visual Artist (2013), la iniciativa de los antropólogos mexicanos “Antropotrip” (2013) (un documental en formato live cinema sobre la ciudad de Tijuana) o la propuesta de Sam Green y Yo La Tengo con el bio-pic en directo “The Love Song of Buckminster Fuller” (2012). Estos tres “documentales expandidos” no surgen de la nada, hay todas unas prácticas que vienen cocinándose en laboratorios, exposiciones, fiestas y festivales de todo el mundo ¿por qué entonces se nos vende como nuevo? Habría que volver a ver “Los Orígenes del Marketing” (2010) de León Siminiani para entenderlo.

Jacobo Sucari, videoartista y profesor en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona, publicó el año pasado su tesis doctoral “El Documental Expandido: pantalla y espacio” (UOC Press 2012), una tesis que sitúa las prácticas experimentales del documental como algo inherente al medio y se centra en el estudio del documental contemporáneo desde la propuesta de las videoinstalaciones, donde el espectador recorre el espacio narrativo. Otro referente nos lleva directamente al cine con base de datos que proponía hace unos años Lev Manovich con su “Software Cinema”, donde lo aleatorio adquiere un poder igualmente válido que el de las secuencias ordenadas o, sobre todo, al campo abierto de las “Web Made Movies” o i-docs que están en plena ebullición ahora mismo y del que se podrían hacer lecturas en el sentido del “documental en un campo expandido” como propone la artista e investigadora estadounidense Paige Sarlin para entender las lógicas narrativas y económicas que mueven los documentales web y las narrativas no lineales.

Pero, mirando un poco más atrás, ¿no es acaso el trabajo que hicieron José Val del Omar (sobre todo en su trabajo con los “elementales” de España), Elizaveta Svilova (montadora, a la sombra, de todas las películas de de Dziga Vertov) o la pionera del montaje documental también en la URSS, Esfir Shub, buenos ejemplos de cómo la no ficción tiene múltiples posibilidades cuando se alía con narrativas experimentales? Sucari centra su trabajo en la video-instalación y quizás haya que poner en valor, también, los orígenes de la video-performances, con el Letrismo como uno de sus referentes. El “filme hipergráfico”, que tiene en el cineasta letrista Maurice Lemaître uno de sus máximos exponentes, introduce en la pantalla objetos, pinturas, eventos, poesía que van más allá de la película proyectada en una sala oscura (incluso a veces añadían acción real dentro de la sala). Un aporte interesante de estas veladas cinematográficas de “Live Cinema” (‘cine en vivo’) es que tendrán sentido y estarán basadas en prácticas y acciones colectivas de manipulación en directo de las películas.

Hay que volver a leer «Expanded Cinema» (1970) de Gene Youngblood para encontrar múltiples y diversos experimentos que podrían construir una genealogía de las prácticas que conocemos como Live Cinema o Cultura VJ.  Sobre todo las relacionadas con videosintetizadores y efectos visuales que conformarán una narrativa que ya no podrá verse como una simple subcultura de discoteca, aunque como buen ejemplo habría que aprender mucho de los bailes del “Global Groove” (1973) de Nam June Paik.

Al hablar de Live Cinema no podemos dejar de mencionar la importante labor que han hecho investigadoras y artistas como Mia Makela, que en su tesis en la Universidad de Barcelona, ya apunta las bases documentales (y también técnico-artísticas) que tienen los conocidos como VJs o artistas audiovisuales en directo. Algunos de estos artistas que aparecen en los trabajos de Makela, nos permitirán terminar de perfilar un ramillete de referencias en las prácticas expandidas del documental, algunos, es evidente son más conocidos que otros. Nos estamos refiriendo al trabajo de la propia Solu (nombre artístico de Mia Makela) que en “Kaamos” (2007-2008) presenta el abigarrado entorno natural de los bosques finlandeses en la época de más oscuridad; al pionero y fundamental trabajo de los ingleses DFuse y The Light Surgeons (que casi al estilo de National Geographic son capaces de presentar espectáculos audiovisuales en directo -e instalaciones audiovisuales- con viajes por Malasia o China); también a las remezclas en directo de Vicki Bennet, conocida como People Like Us, que en su más reciente proyecto, “Notations” (2013), hace un espectáculo a partir de miles de clips de “instrucciones” de directores de orquesta mientras que invita a diferentes músicos, especializados en improvisación, a ejecutar una banda sonora única y en directo o, por último, el proyecto en el que participamos, “European Souvenirs” (2012-2013), un recorrido personal sobre fronteras, viajes y memorias a partir de archivos personales y obras huérfanas de Polonia, España, Inglaterra, Holanda y Turquía.

¿Hay entonces alguna diferencia entre estos trabajos y los mencionados al principio de este texto? En lo formal y narrativo muy poco o nada, de hecho las producciones más recientes pueden estar todas en un mismo nivel pero es curioso cómo existen circuitos paralelos que parecen no verse siquiera de reojo. Las primeras se mueven en el ámbito del festival de cine, la de Sam Green con Yo La Tengo se estrenó en el festival de cine de San Francisco y el de Adam Curtis con Massive Attack es una producción encargada por el festival de cine de Manchester y, sin embargo, las otras se mueven en un circuito de artes visuales y musicales, que tiene sus festivales, pero que de alguna manera están en tierra de nadie (solo hay que mirar programaciones como la del Mapping Festival de Ginebra o el Sónar donde apenas se programa Live Cinema aunque siempre se pueden encontrar sorpresas). ¿Quiero decir con esto que hay hermanos pequeños y hermanos grandes? No. ¿Quiero decir entonces que las condiciones de distribución desposeen a prácticas más subterráneas para venderlas como nuevas? No del todo. Mi intención es hacer notar que cuando Adam Curtis declara que está haciendo un “nuevo tipo de espectáculo” me produce la misma sonrisa que cuando Peter Greenaway hace sus “Vj Performances” y mucha gente se queda dormida. Otra reflexión que habría que poner encima de la mesa es que probablemente la ejecución en directo de piezas audiovisuales tampoco aporta nada nuevo a las películas, sí, puede ser un evento único, pero también hay que evitar en el esnobismo.

A pesar de todo, y me echo un poco tierra encima, hay algo que es interesante en estas “nuevas” prácticas del documental en vivo y es que, tanto Curtis como Green, han puesto encima de la mesa algo que faltaba, o que se hacía con poco arrojo: la “narración en directo”. Green, literalmente, hace de narrador en directo, con sus derivas y con sus comentarios a pie de página, está de cuerpo presente en el escenario, él, la pantalla y el grupo de música en directo. Curtis, en unas antiguas cocheras de trenes, se deja en manos de United Visual Artists (probablemente uno de los colectivos más considerado en el ámbito de las videoinstalaciones ultra tecnológicas) en el que con 11 pantallas traslúcidas, humo, luces y con un sonido exquisitamente atronador (repartían en la puerta tapones para los oídos) también se pone delante del micrófono para lanzar, con su ya particular retórica, sus ideas “sobre el poder de la ilusión y la ilusión de poder».

¿Serán flor de un día estas nuevas formas de presentar el documental o serán, como propone David D’Arcy en Indiewire, la salvación comercial del documental experimental?

Este artículo pertenece a la serie sobre Live Cinema iniciada por el autor en el anterior EMBED con el artículo ¿Es sincronizable la naturaleza? y fue publicado originalmente en el suplemento  Cultura/s de La Vanguardia el 4 de diciembre de 2013, en un espacial Pantalla/s coordinado por Ingrid Guardiola.